Eliminarea unui film clasic este ca și cum ai pune copilul la adopție. Ar trebui să o faceți doar dacă aveți mare nevoie de bani, și chiar atunci este o tragedie. Sperăm că sarcasmul de aici este de la sine înțeles, așa cum este lăcomia studiourilor moderne când vine vorba de sacrificarea amintirilor noastre cinematografice în favoarea atotputernicului dolar.
Ați scuipat pe un Van Gogh? Editează Faulkner? Împreună cu Ceaikovski? Dacă răspunsul tău este altceva decât un „NU” răsunător, atunci roagă-te pentru iertare. Amintiți-vă: realizarea celor mai subtile modificări la tonul pielii lui Yoda din colecția Star Wars re-stăpânit a făcut din George Lucas un pariah, așa că lăsați-l să fie un avertisment pentru Hollywood: rămâneți relevant și esențial pentru cultură și politică datorită creativității voastre. Continuați să îmi minați acea resursă și rezistați tentației de a recâștiga un teren consacrat. Este în interesul dumneavoastră să lăsați adevăratele nestemate ale istoriei cinematografice în Colecția Criterion, The Smithsonian și Registrul Național al Filmelor din SUA
Am acoperit deja 10 filme Hollywood-ul inevitabil remake, dar aici este lista noastră cu cele 10 filme Hollywood nu ar trebui niciodată să remake:
Gone With the Wind (1936)
Adaptarea romanului Margaret Mitchell din 1936 a necesitat un nivel de dăruire și grandiozitate pe care Hollywoodul nu a experimentat-o niciodată. În multe privințe, Gone With the Wind de Victor Fleming a devenit standardul de aur pentru epopeea filmului. Lăsând nicio piatră neîntreruptă cu viziunea sa cuprinzătoare de antebellum spre sud în prima jumătate, și distrugerea completă a înfrângerii Americii și încercările de reconstrucție în a doua, filmul din 1939 lasă o impresie greu de agitat.
Vivien Leigh, Clark Gable și Hattie McDaniel au oferit unele dintre cele mai memorabile spectacole ale timpului lor, umplând ecranul cu contraste stricte de emoție mercurială, masculinitate de odinioară și umor ironic. Însoțit de fundația lui Max Steiner de un scor, Gone With the Wind a tras pe toți cilindrii. Ar putea fi remediat astăzi? Numai în nume.
8 Casablanca (1942)
La trei ani de la succesul Gone With the Wind, sistemul studioului de la Hollywood s-a clătit alături de producția sa mercantilă de filme. Aveau o formulă care funcționa. Când Casablanca a coborât pe știucă ca o adaptare a piesei neproduse, Everybody comes to Rick's, ea a fost introdusă pe banda rapidă de producție pentru a-l surprinde pe zeitgeistul celui de-al doilea război mondial în timpul invaziei aliate din Africa de Nord.
Lansarea filmului s-a dovedit strălucită, iar în timp ce Casablanca s-a bucurat de o bună revenire la box office și de o reacție pozitivă din partea presei, aceasta s-a agățat de conștiința publică după debutul inițial. Datorită unui scenariu transcendent care oferă linii memorabile pentru fiecare scenă din film, drama regizorului Michael Curtiz rămâne unul dintre cele mai romantice filme create vreodată. Humphrey Bogart și Ingrid Bergman scorbesc ecranul. Imaginile, muzica și tonul sunt aproape de vis, și de fiecare dată când termini să urmărești Casablanca, vrei să o joci din nou.
7 Citizen Kane (1941)
Orson Welles avea doar 26 de ani când a regizat Citizen Kane, turnând o maturitate și gravitas în filmul pe care puțini regizori l-au asortat de atunci. Un om înflăcărat al teatrului, Welles și-a petrecut primii 20 de ani dedicat scenei în ciuda progreselor financiare ale Hollywoodului. Când eforturile sale l-au lăsat în nevoie de bani, a fugit în Los Angeles și, după un tur al studiourilor RKO, a semnat un contract de două imagini cu directorii săi.
Cu siguranță, Welles deținea haruri sociale ale mărcii Clooney, întrucât primul regizor de film s-a îndepărtat de un buget greoi, o autonomie de scenografie nestăpânită și, standardul de aur al puterii regizoare, drepturile de tăiere finală în sala de editare. În esență, mințile strălucitoare de la RKO au avut încredere în acest artiste de la mijlocul anilor 20 cu cheile regatului.
Adesea jucând trucuri în studio și muncind în continuu, făcea filmul exact așa cum îl imagina. Nu numai că Citizen Kane este o icoană de durată a Hollywood-ului de epocă, ci ar trebui să fie apreciat ca dovadă că marii regizori merită un control creativ complet. Dacă, pentru fiecare zece tentative avortate de măreție, publicul primește un cetățean Kane, atunci jocul „Directorul dictatorului” bate în funcție birocrația studiului pe termen lung.
Este o viață minunată (1946)
În timp ce este adesea amintit ca un film de Crăciun, filmul emoționant al lui Frank Capra din 1946 este o dramă de inimă înfocată în dragoste cu Moș Crăciun. Gândurile de sinucidere, de genul pe care îl experimentează George Bailey (James Stewart), nu sunt o problemă de râs. Poate tocmai de aceea, cele mai bune momente din film ne amintesc că trăim într-adevăr o viață minunată.
Este genul de film care te face să vrei să îți îmbrățișezi familia și să încetinești lucrurile timp de un minut. Ticălosul disprețuitor, domnul Potter (Lionel Barrymore), face ca pielea ta să se târască cu cruzimea lui egoistă, oferind aproape un apel la acțiune împotriva tendinței sociale spre lăcomie.
Este o viață minunată își are momentele de groază, mai ales când George Bailey vede cum ar fi viața fără el. Capra direcționează acele secvențe cu o calitate de coșmar care bântuie la fel de ușor pe măsură ce scenele de reconciliere îți permit. Nu pot fi oferite complimente suficiente lui Jimmy Stewart pentru această performanță și, din acest motiv, filmul ar trebui să rămână complet de neatins.
6 Cool Hand Luke (1967)
„Ceea ce avem aici este eșecul de a comunica!” Așa vorbește căpitanul sadomasochist (Strother Martin) din Cool Hand Luke, ilustrând exact diferența dintre oamenii slabi de la el și spiritul indomabil al unor oameni precum Lucas „Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce și Frank R. Pierson au realizat un scenariu ermetic care i-a oferit domnului Newman performanța turneului său de forță pe un platou de argint.
Cool Hand Luke nu poate fi niciodată reiterat, deoarece filmul este definit de actorul principal. Acea marcă de aroganță și depresie așezată adânc a făcut din Newman ochii albaștri un paradox. El a scos acel cocktail dramatic din The Hustler, cu doar șase ani înainte, și și-a perfecționat meșteșugul în vremea aceea. În film, Newman joacă un veterinar de război din Coreea, care se agăță de o bandă de lanț pentru a decapata metrii de parcare în stare de ebrietate.
Lucrurile arată sumbre pentru Luke, dar în timp ce își execută sentința, își redescoperă tenacitatea și, printr-o serie de procese în curtea închisorii, devine cel mai respectat om din închisoare. În mod surprinzător, Cool Hand Luke a devenit unul dintre cele mai respectate filme din istorie.
5 Nașul (1972)
Cine va reface clasicul Francis Ford Coppola va fi cu siguranță antihristul. Orice încercare de a reimagina epopeea lui Corleone ar fi o insultă vie pentru cinema, pentru Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale și pentru nenumărații artiști care au luat cartea lui Mario Puzo și au transformat-o într-o piesă de poezie pură.
Cum începe să descriu măreția clasicului din 1972? Bardul orb nu trebuia să-l descrie mult pe Helen din Troia. Era doar perfectă. Nașul are reams de literatură dedicată acesteia și, în ciuda disecției greață din lumea filmului a epopeei gangsterilor, conversațiile nu vor înceta niciodată.
Temele de respect, onoare și familie se adâncesc în trilogia lui Coppola și, în timp ce mulți dintre Corleones au sânge pe mâini, s-au străduit să fie audienți cu pasiunea și fervoarea lor pentru viață. Valorile producției sunt transcendente, iar contrastele dintre personaje precum Michael și Sonny Corleone fac pentru un film cu adevărat șmecher.
4 Absolventul (1967)
"Doamna. Robinson, încerci să mă seduci. Nu-i așa? Mike Nichols își umple cel de-al doilea film cu destule referințe falice și imagini pentru a justifica un R-rating, dar viclenia lui de clasă și clasa a scos un PG care este prieten cu părinții. Absolventul a devenit elementul principal al carierei lui Nichols și Dustin Hoffman, cu acel subcurent de neliniște sexuală și crize de identitate care au încapsulat epoca.
Sigur, urmărirea lui Benjamin Braddock (Hoffman) dormind cu doamna eminamente seducătoare Robinson (Anne Bancroft) s-a dovedit controversată pentru vremuri, dar a oferit publicului una dintre cele mai pline de umor, cu povești de vârstă, puse în film. Având loc în anii '60, unde familia nucleară americană avea mult mai puțin fisiune decât bomba cu atom, atomii de Nichols la cultură („materiale plastice”) au fost avansate, impecabile și inimitabile.
3 On The Waterfront (1954)
On the Waterfront s-a bazat pe o mână de articole publicate în 1949 care expuneau brutalitatea și înfrângerea dintre Longshoreman-ul din New Jersey, făcând filmul să fie o ocazie în viață. Furnizând cea mai bună sursă pentru un film, jurnalistul Malcolm Johnson i-a oferit regizorului Elia Kazan un fel de bunuri brute și realism pe care s-a străduit întotdeauna să le găsească.
Kazan a fost notoriu pentru faptul că a provocat lupte și nesiguranțe pe seturile sale, a aprins siguranța pentru ceea ce spera că va fi o explozie de pulbere odată ce camerele au început să se rostogolească. Terry Malloy (Marlon Brando într-unul dintre cele mai durabile roluri ale sale) reprezintă muncitorul cu guler albastru american, care a avut o lovitură de glorie și a ratat, dublat în degradare de către Johnny Friendly (șeful său de mașini duplicitare John Lee Friendly) ameninţare).
În cele din urmă, filmul a strălucit în centrul atenției asupra corupției implicate în Hoboken Docks și le-a oferit filmatorilor o felie de viață care nu poate fi replicată niciodată.
2 Lawrence of Arabia (1962)
Peter O'Toole este un jucător cu greutate în film, și deși a evitat cumva favoarea Academiei și nu a reușit să câștige cel mai bun actor pentru Lawrence of Arabia, portretizarea lui TE Lawrence l-a definit pe eroul de la Hollywood. Subțire și educat cu enunțarea unui savant englez, O'Toole îl transformă pe Lawrence într-un cowboy strălucitor al nisipurilor arabe.
Epopeea din 1962 a lui David Lean își înfățișează personajul omonim de erou britanic care a ajutat în continuare succesul Uniunii Jack în Peninsula Arabică în timpul primului război mondial. Un John Wayne obișnuit el nu a fost, totuși, și acolo a fost locul unde O'Toole a găsit loc pentru chops-urile sale de prim rang. În film (filmat genial de cinematograful Freddie Young), TE Lawrence este arătat ca un războinic plin de funcții, în conflict cu vacilările sale violente și pașnice. Poartă că vinovăția lui PTSD a călărit pe mânecile purtate de beduini, dar în stil clasic englez, propriile griji nu-l împiedică să-și îndeplinească datoria.
Lawrence lui O'Toole se luptă cu responsabilitățile sale, dar nu este înghițit niciodată de ei. Produs cu mult după lansarea filmului Gone With the Wind, Lawrence of Arabia poate fi considerat doar o extensie a epopeii lui Victor Fleming, arătând Hollywoodului potențialul nelimitat al poveștilor cinematografice.
1 A Clockwork Orange (1971)
Eliminarea unui film Kubrick ar avea o chutzpah incredibilă. Cum ar putea începe cineva să acceseze abordarea deosebit de deosebit de faimoasă a regizorului? Poate că cea mai de neatinsă intrare în opera sa este A Clockwork Orange, o adevărată călătorie pe banda mentală instabilă, care include una dintre cele mai sadice scene puse vreodată în inocență „Singin 'in the Rain”. Bietul Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) lansează bandă de tineri britanici legați de Marea Britanie, care violează și se prăpădesc printr-o societate din ce în ce mai ruptă. Este un film supărător și șocant, care atacă ochii în timp ce aruncă pumni în sensul moralității și rațiunii noastre. Dacă există o imagine din film care surprinde cel mai bine capacitățile lui Kubrick, aceasta este, fără îndoială, scena în care Alex are ochii înclinați mecanic, deschisi și forțați imagini asaltive care îi revin creierului.
Mulțumesc, Stanley.
-
Acolo o ai! Ce filme clasice crezi că ar trebui scutite de un remake de la Hollywood? Spuneți-ne în comentariile de mai jos!